« HIMONO-ONNA : Que mettre au monde aujourd’hui ? »
Nuit Blanche Kyoto 2025 à la Villa Kujoyama
Nuit Blanche
27 sep.
03 oct. 2025Villa Kujoyama
03 oct. 2025Villa Kujoyama
Dates
Du 27 sep. au 03 oct. 2025
Lieu et informations
Villa Kujoyama
17-22 Hinookaebisudanicho, Yamashina Ward, Kyoto, 607-8492
Entrée gratuite
La Villa est fermée le dimanche 28/09
La Nuit Blanche KYOTO, organisée par l’Institut français du Kansai et la ville de Kyoto, met cette année les résidences d'artistes à l'honneur: dans ce cadre, la Villa Kujoyama sera ouverte au public le samedi 27 septembre, et du 29 septembre au 3 octobre 2025 !
Samedi 27 septembre (14:00-21:00)
Programme sujet à modifications.
Les horaires seront mis à jour sur cette page le cas échéant.
Veuillez noter que la Villa Kujoyama ne dispose pas de parking pour les voitures mais seulement d’un parking à vélos.
14:00-19:00 – Studios
Ouverture de studios par Agathe Charnet, Mark Geffriaud, Mona Oren, Vincent Tuset-Anrès et Théo Mouzard & Marine Royer
15:00-16:00 – Auditorium
En résidence à Kumamoto : présentation de Krikor Kouchian (FR-JP)
16:00-17:00 – Salon
Atelier print Gocco avec Vincent Tuset-Anrès (FR-ENG-JP)
17:30-18:15 – Auditorium
Concert de lancement de l’album Commuters de Krikor Kouchian et Kukangendai, avec Hideaki Yamada, batteur du groupe Kukangendai
20:00-21:00 – Salon
DJ set par Krikor Kouchian
20:00-21:00 – Salon
Cocktail
Retrouvez sur place un stand du café TORO !
Lundi 29 septembre (14:00-18:00)
14:00-18:00 – Auditorium
Projection de films
14:00 : Ce que la Villa m’a fait (2025, 60 min)
16:00 : Seules à Kyoto (2024, 25 min) de Julie Vacher
17h30 Kekkai (2025, 17 min) d’Ulla von Brandenburg
14:00-18:00 – Studio 3
Installation: Open studio par Mark Geffriaud
Mardi 30 septembre (14:00-18:00)
14:00-18:00 – Auditorium
Workshop par Maguelone Vidal (FR-ENG-JP)
14:00- 18:00 – Studio 3
Installation: Open studio par Mark Geffriaud
Mercredi 1er octobre (14:00-18:00)
14:00-15:00 – Auditorium
Projection du film Ce que la Villa m’a fait (2025, 55 min)
15:00-17:00 – Auditorium
« Retour de résidence à Wakasa : habiter la maison Tanabe » : conférence de Théo Mouzard et Marine Royer (FR-JP)
14:00-18:00 – Studios 3 & 6
Installation : Open studio par Mark Geffriaud
Ouverture de studio par Théo Mouzard & Marine Royer
Jeudi 2 octobre (14:00-21:00)
14:00-19:00 – Studios
Ouverture de studios par Darius Dolatyari-Dolatdoust & Grégoire Schaller, Agathe Charnet, Mark Geffriaud, Mona Oren, Théo Mouzard & Marine Royer et Laureline Galliot
15:00-16:30 – Auditorium
Conférence de Nicolas Pinon et Tsutsumi Takuya, fabricant de laque urushi, et projection d’un extrait de Asa, film réalisé par Félix Marye sur les recherches de Nicolas Pinon & Dimitry Hlinka à la Villa Kujoyama
17:00-17:45 – Jardin
FAIRE FAMILLE.S – ACTE 1 : performance théâtrale et musicale par Agathe Charnet avec Rei Ariyoshi, Giulia De Sia et Virgile L. Leclerc (FR-JP-ENG-IT)
18:00-18:15 – Terrasse
Projection du film Kujoyama sur mer de Mark Geffriaud
19:00-19:15 – Salon
Projection du film #3 – The Final love de Darius Dolatyari-Dolatdoust & Grégoire Schaller
19:30-21:00 – Terrasse
Cocktail
Retrouvez sur place un stand du café TORO !
Vendredi 3 octobre (14:00-18:00)
14:00- 18:00 – Studio 3
Installation : Open studio par Mark Geffriaud
15:00-15:30 / 17:00-17:30 – Auditorium
Matter & Body #5: performance avec Nina Fradet, Aoi Higuchi, Meri Otoshi, Sagar Patel et Masahiko Takeda / Collaboration: Kohsetsu Imanishi
Du 27 septembre au 3 octobre
Projection de vidéos : Éclat (2018) par Mona Oren et Parapara par Vincent Tuset-Anrès
Projets
Le projet d’Agathe Charnet s’emploie à tracer un portrait sensible et documenté de ce que signifie « choisir ou non de faire famille à l’orée du XXIème siècle », en comparant la France et le Japon. Ancré dans une étude du positionnement féministe, le projet explore l’état des luttes pour les droits des femmes et des personnes LGBTQ+ au Japon ainsi que les différentes conceptions de l’amour romantique. En faisant se mêler des expériences de vies inscrites dans des cultures si différentes, il s’agira de tisser des dialogues et liens dans les mots échangés lors d’entretiens et ateliers-laboratoire réalisés sur place. L’objectif du projet est d’aboutir à la rédaction d’une pièce de théâtre, pouvant être mise en scène dans les deux pays.
Grégoire Schaller et Darius Dolatyari-Dolatdoust (2025, danse)
Love to Death
Love to Death prend appui sur Yūkoku (Rites d’amour et de mort), unique film de Yukio Mishima tourné en 1966, huis clos dans un théâtre Nô où il incarne un lieutenant choisissant le seppuku après l’échec d’un coup d’État, rejoint dans la mort par son épouse. Leur projet prendra la forme d’une série de cinq performances suivant la structure du film, non pour en restituer la narration, mais pour explorer un vocabulaire performatif autour de la représentation de la mort. Nourries par une pluralité de mediums – danse, photographie, travail du métal, texte, textile, vidéo et costume – ainsi que par la pratique du butō, elles utiliseront les photogrammes de Yūkoku comme des moules chorégraphiques, déformés et dépliés dans l’espace, à la recherche d’une densité de présence propre à cette recherche d’incarnation de l’image.
Vincent Tuset-Anres (2025, design)
Monogatari
Au travers de la fenêtre qu’offre le livre d’artiste, Vincent Tuset-Anres cherche à scruter l’ensemble de l’écosystème de l’édition d’art japonaise : mettre en lumière les procédés et savoir-faire, ses spécificités techniques, esthétiques et conceptuelles, la singularité des pratiques contemporaines. Travailler au Japon permettra à Vincent Tuset-Anrès d’être au contact des professionnels japonais qui pourront l’enrichir par leur expertise. À la suite de ces rencontres, il souhaite présenter son projet auprès d’un large public afin de faire émerger de nouveaux modèles pour un secteur actuellement en transition. Il cherche ainsi à valoriser au mieux l’inventivité de l’édition d’art au Japon, la richesse de sa tradition, l’excellence de son artisanat, et la vitalité de sa scène contemporaine.
Mona Oren (2025, métiers d’art)
La Cire Hazé, un trésor à explorer !
Le travail de Mona Oren gravite autour d’un noyau émotionnel tissé d’impermanence et de mémoire, ainsi que d’une matière à l’image de cette sensibilité; la cire blanche, qui n’est pour elle pas simplement une substance, mais une matière vivante. Sa rencontre avec la cire Hazé en 2022 la conduit vers de nombreuses expérimentations, afin de trouver des mélanges permettant de sculpter cette matière végétale très singulière. Elle souhaite poursuivre l’exploration autour de la cire, des arbres à suif ainsi que d’autres matières propres au Japon tels que la cire de riz, le papier Washi et les blocs d’encre noire Sumi. Le corpus artistique qui en découlera mettra en lumière la poésie du processus de création : les pièces finales, miroirs d’artefacts originaux.
Théo Mouzard et Marine Royer (2025, architecture)
L’architecture de l’après – Prendre soin et réparer face aux catastrophes dans la ruralité japonaise : de la ressource au lieu, du paysage à l’objet
Depuis la triple catastrophe de 2011, les thématiques du soin (care) et de la réparation semblent avoir conduit à une reconfiguration des pratiques de certains architectes et designers japonais. Dans le cadre d’une redirection écologique, il devient impératif de repenser les modes d’exercice de la profession d’architecte, dans un contexte où la construction neuve n’apparaît plus comme la plus souhaitable. Il convient ainsi d’explorer des stratégies plus frugales, visant notamment la transformation des espaces collectifs, en impliquant activement les communautés locales. Ces démarches se manifestent, tant au Japon qu’en Europe, par un engagement direct sur le terrain, le recours à des pratiques collaboratives, ainsi qu’une réflexion sur les ressources et savoir-faire spécifiques aux territoires transformés.
Mark Geffriaud
L’architecture traditionnelle japonaise, une écologie contemporaine
Mark Geffriaud pratique la sculpture, la photographie, le film et la performance. Au début de sa résidence, il s’est intéressé aux machiya abandonnées et aux forêts d’exploitation en ruine. Petit à petit, il a dévié de la logique de projet pour se rendre disponible aux coïncidences et aux rencontres qui n’ont cessé de se multiplier à mesure qu’il menait sa recherche. Ce qui l’intéresse à présent, c’est la qualité d’attention et de soin apportée aussi bien aux personnes qu’aux choses qu’il a vu partout s’exercer au Japon, et dont il aimerait à son tour faire un peu l’expérience. Le programme en ce moment : éviter les intentions, suivre la saisonnalité des idées et peut-être, avec un peu de chance, trouver quelques sculptures involontaires.
Krikor Kouchian
Dans le cadre du jumelage* entre les villes de Kumamoto et d’Aix-en-Provence, la Villa Kujoyama a mis en place un programme de post-résidence permettant à un lauréat de la Villa Kujoyama de poursuivre des recherches à Kumamoto, et de réaliser une restitution à Aix-en-Provence. Pendant sa résidence à Kumamoto en septembre-octobre 2025, Krikor Kouchian a notamment réalisé des field recordings dans la région, mené un atelier sur les synthétiseurs à l’école primaire Shiritsu Shirakawa, et participé à un concert improvisé avec la communauté électronique de Kyushu à Fukuoka. Pour la Nuit Blanche KYOTO, il revient sur son expérience en résidence. Il propose également une performance en duo avec Hideaki Yamada, batteur du groupe Kukangendai et gérant du lieu pluridisciplinaire Soto, à Kyoto. Cette performance improvisée s’inspirera du disque COMMUTERS, à la frontière du dub et de l’esthétique sonore nowave. Krikor Kouchian sera ensuite en résidence une semaine à Aix-en-Provence au mois de novembre. Au cœur de la Fondation Vasarely, il réalisera une performance de restitution et animera également un workshop avec des étudiants de l’école d’art.
*En 1992, Kano Shuho, artiste de Nô vivant dans la ville de Kumamoto, a fait don d’une scène de Nô en cyprès à Aix en Provence et depuis, les échanges se sont poursuivis tant au niveau privé qu’administratif.
Nina Fradet
Au croisement des métiers d’art, de la danse, de la musique et des arts numériques, Matter & Body présente un dialogue entre le vivant et l’inerte. Pensée autour de la rencontre de deux corps avec une sculpture de bois tressé, la performance se construit en temps réel dans une entente entre chacun des acteur, en régie comme sur scène. Le dessin sur tablette graphique, transformé en visuel numérique, puis projeté sur scène, devient ainsi la lumière qui guide les danseuses ou modifie la perception de leurs gestes, au rythme des fréquences musicales générées par le paysage sonore. Chacun des médiums étant travaillé en direct, c’est un équilibre entre composition et improvisation qui permet au corps et à la matière de se fondre l’un dans l’autre. Ce projet a été développé pendant la résidence 2024 de Nina Fradet à la Villa Kujoyama. La création s’est poursuivie en 2025 avec le soutien de la Fondation franco-japonaise Sasakawa, l’Institut français, l’Institut français du Japon et la Fondation Bettencourt Schueller.
Dans le cadre de Kyoto Experiment : Kyoto International Performing Arts Festival 2025- Fringe : More Experiments
Laureline Galliot
Laureline Galliot, designer, peint des objets en 3 dimensions. Pour y parvenir, elle utilise un casque et des manettes de réalité virtuelle qui lui permettent de sculpter et peindre simultanément. Gorgée des gestes de savoir-faire traditionnels dont elle fait l’apprentissage, elle se forme aux côtés de l’artisane de masques de nô Mitsue Nakamura, et choisit cette fois-ci de revisiter un masque du répertoire du théâtre Nô.
Nicolas Pinon
Pendant leur résidence à l’automne 2024, Dimitry Hlinka et Nicolas Pinon ont étudié au contact d’artisans japonais l’utilisation de la fibre végétale associée à la laque végétale Urushi. Leur démarche explore plusieurs axes de recherche dans les domaines du design et de l’artisanat, avec l’objectif de concevoir une série d’objets illustrant les possibilités offertes par l’association de ces matériaux.
Maguelone Vidal
Workshop Faire avec
Partager cet art de la rencontre qu’est l’improvisation avec sa voix, son corps, ses textes, ou son (ses) instrument(s) de musique soulève plusieurs questions : comment faire avec l’autre, avec les autres ? Comment construire ensemble un langage commun ici et maintenant, dans un espace scénique choisi ? Comment faire avec son bagage technique individuel pour passer par exemple de l’apprentissage basé sur l’écriture à un langage oral instantané ou à une écriture contemporaine ? Enfin, comment apprivoiser sa singularité scénique, corporelle, musicale, vocale et la développer en solo et au sein du collectif ?
Crédit
Visuel : La nuit les esprits dansent @Darius Dolatyari-Dolatdoust (2025, danse)